Seymour Chwast (1931- ) Estudió diseño gráfico e ilustración en The Cooper Union. En 1954 fundó, junto a Milton Glaser y Edward Sorel, el estudio Push Pin así como la Push Pin Press. Con una mirada ecléctica, y a veces historicista, que contrastaba profundamente con las propuestas suizas del momento y se mostraba como alternativa radical, Push Pin -desde 1985 The Pushpin Group- ejerció una enorme influencia en un buen número de diseñadores de los años 1960 y 1970.
A lo largo de su extensa trayectoria ha destacado por sus carteles –unos 100 y muchos de ellos comprometidos políticamente- y por el diseño de libros y revistas.
Como ha dicho Steven Heller, junto a sus colegas de Push Pin, ha contribuido a cerrar la brecha entre diseño e ilustración, una brecha que se fue abriendo a medida que se imponía un “diseño objetivo”, más basado en la fotografía.
Chwast ha realizado numerosas exposiciones y recibido incontables premios. Su trabajo está presente en las colecciones permanentes de diversos museos entre los que puede citarse el Museum of Modern Art de Nueva York.
Estudió arquitectura, diseño e historia del arte en la Universidad de Zúrich y en su Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos). En 1936 abrió en esa ciudad su propio estudio, especializado en diseño gráfico, diseño de exposiciones y fotografía. Desde 1951 produjo carteles de conciertos para el Auditorio de Zurich. En 1958 se convirtió en editor y fundador, junto con Richard P. Lohse, Carlo L. Vivarelli y Hans Neuburg, de la revista New Graphic Design (también Neue Graphik y Graphisme Actuel) que, en 18 números y entre 1958 y 1965, revolucionó el diseño gráfico. En 1966, Müller-Brockmann fue nombrado consultor de diseño para Europa de la empresa IBM.
Fue autor de las influentes obras El artista gráfico y sus problemas de diseño [Gestaltungsprobleme des Grafikers, Teufen] y Sistemas de retículas en el diseño gráfico [Rastersysteme für die visuelle Gestaltung] en 1961, y de Historia de la comunicación visual [Geschichte der visuellen Kommunikation, Teufen] e Historia del póster [Geschichte des Plakats, Zürich] en 1971.
Famous Graphic Designers CRUZ NOVILLO:José María Cruz Novillo (Cuenca, 1936) trabaja en los años 50 y 60 como dibujante, jefe de estudio, director artístico y director creativo en la célebre Publicidad Clarín, actividad que compagina con el diseño industrial en la Sociedad de Estudios para el Diseño Industrial. Es miembro fundador del Grupo 13, junto a su socio Fernando Olmos, agrupación de jóvenes artistas decididos a impulsar el diseño gráfico, plenamente identificados con la nueva Asociación de Grafistas del FAD que Pla-Narbona preside desde su fundación en 1961, en Barcelona. En 1965 funda junto a su socio Fernando Olmos el estudio homónimo, demostrando su vocación de servicio público rediseñando varias series de cajas de cerillas para la empresa Fósforos del Pirineo S.A., de trazo fuerte y seguro. Es uno de los primeros en dedicarse a la renovación de las viejas imágenes de la Administración Pública, que empezó en 1975 a remozar la imagen distante y absolutista de Correos y Telégrafos. En 1985 inaugura el Estudio Cruz Novillo y Asociados. A partir de 1993 desarrolla su actividad en el Estudio CN con especial dedicación al diseño corporativo. Fue presidente de la Asociación Española de Profesionales del Diseño. Pepe Cruz Novillo fue el autor del rediseño del símbolo del puño y la rosa para el PSOE y también es autor de la bandera y símbolo de la Comunidad Autónoma de Madrid. Algunas de las imágenes relacionadas directa o indirectamente con la Administración, y de enorme implantación popular, son obra de este diseñador “curioso y autodidacta”, como se define a sí mismo. Los símbolos gráficos del Quinto Centenario del Descubrimiento de América, de la Conferencia EuroMediterránea de 1995, del Ministerio de Economía y Hacienda, Banco de España, Fundación ONCE, Policía Nacional, entre otros, tienen el aire de familia de su trazo grueso y regular, con preferencia por el blanco y el negro, elementos característicos de su estilo en la especialidad del diseño gráfico. Además cuenta entre sus clientes a TVE, Diario 16, El Mundo, El País, la COPE, Antena 3, Ministerio de Educación y Cultura, Ministerio de Trabajo, Ministerio de Vivienda, Caja Postal, Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, Presidencia del Gobierno, Tesoro Público, Endesa, Banco Bilbao-Vizcaya, RENFE, Grupo Prisa, Repsol, Campsa, Huarte, etcétera. Cuenta con el popular diseño de algunos de los antiguos billetes de banco de 1000 y 5000 pesetas. En 1997 se le otorgó el Premio Nacional de Diseño. Además de diseñador gráfico es pintor y escultor. Ha realizado proyectos expositivos interesantes investigando lenguajes múltiples. Defiende, además, la existencia del estilo, en contra de lo que opinan muchos diseñadores.
Famous Graphic Designers ABRAM GAMES:Para quienes estéis interesados en la historia del cartel, os recomiendo que echéis un vistazo al trabajo de Abram Games (1914-1996), uno de los cartelistas británicos más importantes del siglo XX.
Nacido en Whitechapel (Londres), en el seno de una familia de Latvia (Rusia), su nombre original fue Abraham Gamse. En 1926, su padre decidió britanizar el apellido y pasó a llamarse Abram Games.
A los dieciséis años ingresó en la St. Martins School of Art pero su paso por esta institución fue breve, tan sólo dos periodos escolares, debido en gran parte a la falta de recursos económicos de su familia y, sobre todo, a la desilusión que experimentó al enfrentarse a los métodos de enseñanza de la escuela.
En 1932 entró a trabajar como asistente (studio boy) en Askew-Young, un estudio de arte comercial del que fue despedido en 1936, por sus “puntos de vista independientes”. Justo en ese año ganó el primer premio en un concurso de carteles y animado por el éxito emprendió su carrera comofreelance. Desde ese momento, contó con clientes como el London Transport, la Shell y Correos.
Contratado por el gobierno británico, en 1942 se convirtió en Artista de Guerra Oficial. Sus carteles –alrededor de un centenar- le proporcionaron un reconocimiento que, finalizada la contienda, le permitió reemprender con éxito su carrera como freelance. Así, en 1948 llevó a cabo los sellos conmemorativos de los Juegos Olímpicos y el símbolo del Festival of Britain, un evento que alcanzó una gran popularidad. Games creó también la identidad de cadena de la BBC, una de las primeras identidades animadas.
Pero, aunque como acabo de comentar, hizo incursiones en los territorios corporativos, su auténtica pasión fue el cartel. Por eso, desde la década de 1950 y hasta su muerte continuó diseñando carteles para clientes tan prestigiosos como el Financial Times, Guinness, la Royal Shakespeare Company, la British European Airways o Naciones Unidas. Para esta última organización llevó a cabo la campaña “Freedom From Hunger”.
En 1960 publicó el libro titulado Over My Shoulder, quedan pocos ejemplares pero alguno podéis encontrar en Amazon (eso sí, a precios elevados).
Roser Vilar.- ¿Qué características debe reunir un diseño para que tenga éxito?
Pati Núñez.- Tiene que transmitir el concepto adecuado y además tiene que estar expresado en el lenguaje de las emociones. Que se acoja más al corazón que a la mente.
R.V.- ¿Y eso cómo se consigue? Pati Núñez.- Puedes atender a un concepto más racional, más frío, relacionado con la idea. O a partir de imágenes y sobretodo del color puedes optar por un concepto emocional. Piensa que el color es lo que nos evoca directamente al corazón. Y además, el color es lo que el consumidor recuerda, incluso más que la imagen. El lenguaje de las emociones quiere decir que las formas que utilices tienen que llegar al corazón. Para que esto suceda, es más fácil si utilizas formas naturales y pasionales.
R.V.- ¿Qué colores son los que más gustan a la gente?
Pati Núñez.- Depende. Los hombres se sienten más seguros con el azul y aunque a veces muchos clientes masculinos te dicen que quieren ser diferentes e innovar, cuando les presentas algo distinto, te dicen que lo pasemos a color azul. En cambio, las mujeres necesitamos más cambios y eso también se nota en el color. Pero tampoco se puede generalizar.
R.V.- ¿Hay colores que están de moda?
Pati Núñez.- Sí. Sobre el color, ya sea por exceso o por carencia, también se va creando un deseo. Por ejemplo, si durante muchos años no existe nada en rosa, de repente aparece algo en ese color y esa moda dura un tiempo hasta que aparece otra.
R.V.- Actualmente las empresas se esmeran bastante en su diseño. ¿Son conscientes del peso que del diseño en la imagen de la compañía?
Pati Núñez.- Sí, claro. Y además también hay muchos organismos oficiales que se encargan de informar a las empresas sobre eso. El diseño, no es sólo un valor añadido sino que además, también es una estrategia imprescindible si quieres ser competitivo en el mercado.
R.V.- ¿Cuál es la finalidad del diseño?
Pati Núñez.- Hay productos que se compran solamente por el aspecto porque el contenido no ofrece mucha diferencia entre un producto y otro. Por ejemplo, la perfumería. Al fin y al cabo, la finalidad del diseño es comunicar. El diseño gráfico es comunicación y hay que transmitir ideas y conceptos para captar al consumidor.
R.V.- A lo largo de su carrera, se ha especializado en imagen corporativa y packaging. ¿A qué empresa recomendaría que cambiara su imagen y diseño?
Pati Núñez.- ¡A tantísimas! Todos aquellos que han diseñado una imagen que en un momento dado está muy de moda, que la cambien. Porque la moda es una cosa muy efímera y antes que acaben de diseñar la nueva imagen, ya está obsoleta. A todas estas empresas les diría que pasaran su logotipo a un diseño más racional. Hoy en día y en el mundo global en el que vivimos, cada vez es más difícil obtener identidad. Por lo tanto, la comunicación no se debe cargar tanto en el logotipo sino en otros soportes más variables. Y los logotipos han pasado a ser firmas y si la firma pude durar 100 años, pues que dure. Si la diseñas de una forma racional es más que probable que perdure más tiempo.
R.V.- Así que el diseño, para poder sobrevivir, tiene que ser más bien clásico.
Pati Núñez.- No tiene porqué ser clásico, sino que el logotipo tiene que ser racional, simple y desnudo. Es absurdo tener que estar cambiando de logotipo cada poco tiempo. Eso no quiere decir ser clásico.
R.V.- Es la primera mujer a la que otorgan este premio. ¿El mundo del diseño está masculinizado?
Pati Núñez.- No, pero cuando yo empecé acabamos el curso tres alumnas y este es un premio a la trayectoria, así que, teniendo en cuenta que tengo 49 años, no podría haber recibido el premio mucho antes. Cuando entré en la carrera, era una profesión muy nueva por lo que era de esperar que no hubiera muchas mujeres.
R.V.- Entre sus trabajos se encuentra el diseño de las bolsas de Vinçon, la línea de utensilios de Ferran Adriá, la imagen de los 25 años de la fundación Joan Miró. ¿Las grandes empresas se preocupan más por su diseño?
Pati Núñez.- No. A las grandes empresas lo que les preocupa mucho es la lucha interna que hay entre los diferentes componentes. En general, prefiero un contacto con las empresas más pequeñas y hablar directamente con el propietario porque hay un trato directo. En una gran empresa, lo que pasa es que todo tiene que pasar por una junta y, seguramente, el tema del diseño será el último en tratarse y, cuando se haga, habrá más de una disputa por ello.
R.V.- También ha diseñado packaging de perfumes de Armand Bassi. ¿Si un perfume no tiene un buen diseño, se venderá menos?
Pati Núñez.- ¡Claro que se vendería menos! Lo que muchas veces hace que se venda más o menos es la campaña de televisión. Hay ciertas marcas, que ya pueden hacer feo el diseño, que lo van a vender igualmente porque lo que prevalece es la marca. Pero si eres una marca desconocida, más te vale que tengas un aspecto soberbio, porque entonces es muy fácil que te compren. En la perfumería, el diseño es básico porque la gente no sabe discernir las diferencias olfativas.
R.V.- ¿Tan importante es la bolsa en la que me llevo lo que he comprado que necesita un diseño?
Pati Núñez.- Sí, es importantísimo. Las bolsas son anuncios que caminan por la calle y son una campaña publicitaria estupenda, porque si son bonitas, la gente las reutiliza y se pueden ver mucho en una ciudad.
Famous Graphic Designers ALEXANDR RÓDCHENKO: Alexandr Mijáilovich Ródchenko (Ruso: Александр Михайлович Родченкo; San Petersburgo, 5 de diciembre de 1891 - Moscú; 3 de diciembre de 1956), escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógraforuso, fue uno de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y treinta. Fue uno de los fundadores del constructivismo ruso y estuvo casado con la también artista Varvara Stepánova.
Ródchenko nació en San Petersburgo en una familia obrera. Su familia se mudó a Kazán en torno a 1905. Luego estudió en la Escuela de Arte de Kazán donde impartían clase Nikolái Feichin y Georgui Medvédev, y también en el Instituto Stróganov de Moscú. Rodchenko Hizo sus primeros dibujos abstractos, influido por el Suprematismo de Kasimir Malevich, en 1915. Al siguiente año, participó en "The Store", exhibición organizada por Vladímir Tatlin, quien ejerció una gran influencia en su desarrollo como artista.
Ródchenko, como muchos miembros del avant-garde, se alinearon con los bolcheviques, que lo nombraron Director de la Oficina del Museo y del Fondo de compras en 1920. Fue el responsable de la reorganización de las escuelas de arte y de los museos. Entre 1920 y 1930 también impartió clases en el Estado Superior de Talleres de Artistas-Técnicos(Vjutemas/Vjutein).
Ródchenko volvió a pintar a finales de 1930 y paró de fotografiar en 1942, produciendo cuadros expresionistas abstractos en los años 40. Él continuó organizando exhibiciones de fotografías para el gobierno durante estos años. Murió en Moscú en 1956.
Famous Graphic Designers ALEXANDR RÓDCHENKO. Movie
Brody se formó en el London College of Printing entre 1976 y 1979. Sus primeros trabajos fueron cubiertas de discos para sellos independientes en lo que ya podía apreciarse un interés por el diseño de los años veinte y un alejamiento de las convenciones de las tendencias de la década de los setenta.
En 1981 se convirtió en director de arte de The Face para la que diseñó Typeface Six una nueva tipografía, que recogía las influencias del punk y las nuevas corrientes de la new wave. The Face, de la mano de Brody rompió con la tradición del diseño editorial respetuosa con la estructura reticular y los principios de funcionalidad. Brody comenzó a alterar las convenciones tipográficas usadas para la jerarquización de la información. Otras publicaciones en las que trabajó fueron Arena y City Limits. Podrían resumirse sus principales ideas como un rechazo a la concepción del diseño como solución de problemas.
Hacia 1988 hizo del ordenador personal la principal herramienta de trabajo y comenzó a diseñar nuevas fuentes tipográficas han sido distribuidas por Linotype. En 1988 apareció la primera monografía sobre su obra, The graphic language of Neville Brody, al tiempo que se celebraba una exposición en el Victoria and Albert Museum que ejerció una influencia destacada en toda Europa.
El uso del ordenador ha provocado una evolución importante en su estilo que se ha dulcificado notablemente con un mayor uso del color frente a la sobriedad de su primera etapa. Incluso el diseño de sus nuevas fuentes tipográficas para Fontshop, algunas en colaboración con el tipógrafo Erik Spiekermann, responden a un estilo más desenfadado. Su creciente fama le ha permitido acceder a otro tipo de proyectos, inhabituales en un grafista, como la identidad corporativa de la televisión austríaca (ORF) y el canal alemán codificado Première.
En 1994 se publicó la segunda monografía, The graphic language of Neville Brody II, que cubre su trabajo desde 1988.
Es fundador de la red de espacios para la experimentación gráfica Research Studios, con oficinas en Londres, París, Berlín y Barcelona. Dirigidas por Lionel Massias (RSParís), Daniel Borck (RSBerlín), Pablo Rovalo (RSBCN).
Famous Graphic Designers PEPE GIMENO: Pepe Gimeno comenzó a trabajar en diseño gráfico con tipómetro, escuadra y cartabón. En 1970, su parcela ni siquiera se llamaba así. Luego, en los 80, la mecánica de impresión revolucionó el proceso creativo, y Gimeno fue uno de los primeros en asimilar los cambios y aprovecharlos a su favor. Se hizo un nombre. Después, una marca. En los 90, el mundo entero mudó de analógico a digital. Toco, de nuevo, reinventarse. Y Gimeno, con su estudio de Valencia, salió airoso. Tanto que su currículum de premios internacionales da para otra entradilla. En 2002, ganó - en un complicado concurso- el logo de la presidencia española de la UE. Todavía lo imitan.
-Participa en las jornadas de Publicidad y diseño gráfico que se desarrollan en Cádiz. ¿Qué ha venido a decir?
-Mi estudio no está en Madrid, sino en Valencia. Eso hace que me identifique mucho con la situación de Cádiz, con los retos del trabajo que se realiza desde la periferia... He venido a compartir mi experiencia, y también a escuchar la de los demás.
-¿Cuál cree que será el tema estrella del encuentro: la crisis, o las nuevas tecnologías?
-Espero que lo digital. Con respecto a lo que te decía antes, hay que tener en cuenta que el cliente del diseño gráfico necesita tenerte al lado... Diseñar desde Valencia o desde provincias para otros lugares, sin las nuevas tecnologías, sería imposible. Por contra, internet nos iguala bastante. Ya no importa tanto dónde estés. Sobre todo, prima el talento.
-Veterano del diseño gráfico suena a paradoja...
-Sí, soy veterano de una profesión muy joven. ¡Cuando yo empecé, la palabra diseño ni existía! ¡Todo era publicidad, sin distinción! ¡No se reconocía ni como disciplina!
-¿Cuál era su manera de trabajar entonces y cuál es ahora?
-Siempre digo que he cambiado varias veces de profesión, porque cuando cambia la tecnología, cambia todo. El principio es el mismo, la creatividad sigue siendo la base del asunto, pero la manera de expresarse es radicalmente distinta. Ahora tienes que ser mucho más rápido. Antes podías tardar dos días en componer en imprenta el texto de un díptico... Te daba tiempo a meditar. Ahora, todo el proceso puede durar media hora. Piensa que, cuando yo empecé, la tipografía se hacía a mano...
-¿Usted es un artista?
-Soy un artista... Sí, hay cierta ambiguedad, lo que ocurre es que yo también hago obras no comerciales. He expuesto en museos... No invoco la inspiración, no tengo rituales. El secreto está en no perder de vista el objetivo final.
Famous Graphic Designers JAVIER MARISCAL: Valencia, España, 1950
Maestro español cuyo talento ha sido reconocido dentro y fuera de nuestras fronteras, Javier Mariscal es un creador que ha desarrollado su actividad artistica en diversas disciplinas, y sobre soportes muy variados, sin mostrar ninguna preferencia.
El diseño grafico, el diseño de mobiliario, la pintura, la escultura, el interiorismo, el paisaje urbano, la jardineria, la horticultura, son objeto de su activitad profesional y vital. Le gusta por igual mirar un cuadro de Klee que subir a una montaña rusa o conducir su scooter por una carretera de la costa. A veces no distingue entre un electrodomestico, una persona o una silla, todo tiene volumen, son imagenes que piensan, rien y lloran. Cada imagen que aparece en su retina, cada experiencia cotidiana, es procesada sin prejuicios en su memoria visual y brota despues en su obra.
Empezo a estudiar diseño en la Escuela Elisava de Barcelona y desde entonces prefirio ser autodidacta.
Ha recibido diversos premios, entre los que destaca el Premio Nacional de Diseño en 1999.
Famous Graphic Designers ALBERTO CORAZÓN: Alberto Corazón es un diseñador, escultor y pintorespañol nacido en Madrid en 1942. Su obra ha recorrido por los principales centros culturales y artísticos de Francia, Italia, Alemania, Gran Bretaña, España, Estados Unidos... Algunos de sus más famosos diseños pertenecen a logotipos ampliamente conocidos en España: ONCE, Anaya, Paradores, RENFE (Cercanías), teléfono Domo, MAPFRE, Junta de Andalucía, Biblioteca Nacional, Teatro de la Zarzuela, Casa de América, etc.
Fundador y Presidente de la Asociación Española de Diseñadores Profesionales. Ha obtenido premios como el Nacional de Diseño (1989), Gold Medal Award del Arts Directors Club (Nueva York), Gold award del The Designers Association of London, Premio del American Institute of Graphic Arts. A mediados de noviembre de 2006 se convierte en el primer diseñador que ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Famous Graphic Designers ISIDRO FERRER: Isidro es un creador de poesía visual. Formado como actor y escenógrafo pertenece, sin embargo, a la generación que sigue a Carlos Rolando, América Sánchez, Mariscal o Peret como representante destacado de la escuela de Barcelona. Hay un homenaje a todos ellos en su trabajo, que se nutre del espacio de libertad profesional que conectó el maestro Daniel Gil, en su día, con las vanguardias de los años 20. En su laboratorio cultiva imágenes cargadas de surrealismo, metáforas rotundas, poesía pura para el ojo del sibarita. De su cocina emanan una leve ironía y un humor inteligente, aromas que no admiten más filtro que el del propio inconsciente. Su presentación en el pasado MAD MMX nos dejó a todos boquiabiertos. Tanta belleza embarga. El Fotomatón nos sirve para hacer una foto rápida de cada entrevistado, y os aseguramos que al igual que su trabajo, Isidro Ferrer es certero, exacto, comedido, tranquilo y muy sensato. Mientras tomaba un café después de su presentación nos concedió unos minutos. Aquí el resultado. Fotos: Juan Martínez Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento. Isidro Ferrer. 1963. Madrid. ¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niño? Norit y Polil de Artigas. Si no te hubieras dedicado al diseño gráfico, ¿qué te gustaría haber hecho en tu vida? Clown. Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño. Perseverancia. Diseño Gráfico es… COMUNICAR. ¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste? Un folleto de mano para la Objeción de Conciencia del Servicio de Juventud del Ayuntamiento de Zaragoza. ¿Y el último? Un cartel para la promoción del diseño español en una feria de Londres. Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera. Centro Dramático Nacional.
El libro de las preguntas de Neruda.
‘En la frontera’ un cartel que hice en 1991. Cita un diseñador con el que te gustaría trabajar. Paul Cox o Saul Steimer. Una empresa a la que le cambiarías la imagen. El PP. ¿Qué le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho? Para gustos colores, es algo tan personal el gusto. La última tipografía que has redescubierto y que tenías olvidada. Didot. Un número del pantonero con el que te harías un traje. El 186, que es mi número fetiche. Elige y razona tu elección:
Neville Brody/David Carson
Brody. Me parece infinitamente más serio. Milton Glaser/Paul Rand Paul Rand. La ingenuidad. Freehand/Ilustrator Ninguno de los dos. No sé manejar ninguno de los dos. Quark/Indesign Indesign. Garamond/Helvetica Helvetica, pese a que es un coñazo la Helvetica. Estudio/Agencia Estudio, por la libertad. Papel/Digital Papel Lápiz/Ordenador Lápiz Mac/PC Mac, lógicamente.
Un equipo de fútbol, un político, una ciudad para vivir. El Huesca, Tierno Galván, Gerona. Un homenaje a un diseñador que todavía no se le ha reconocido. Daniel Gil, que ha tenido reconocimientos parciales, pero Pla Narbona, me emociona mucho. Una marca que detestas y que despierta albanzas en el mundo del diseño. Es que no detesto ninguna marca. La película que nunca te cansas de volver a ver. El libro que nunca te cansas de releer. ‘El submarino amarillo’, de Hedelman, y el libro es ‘Rayuela’ de Cortázar. Si estuviera en tus manos, ¿que cambiarías del mundo del diseño gráfico? La superficialidad. ¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña? A pensar, en vez de a realizar. ¿Eres de los que opinan que tú lo hubieras hecho mejor? No. Échale imaginación y propónle a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño. Que no se convierta el diseño en una herramienta política. Las subvenciones, en lugar de fomentar, encarcelan. Se tienen que realizar políticas de apoyo, no de subvención. Tu foto a toda página en la portada de una revista: ¿qué revista y por qué razón? El ‘Hola!’, por haber tenido un rollo con Letizia… ja, ja… esto es absolutamente de broma!
Famous Graphic Designers DANIEL GIL: La aproximación de Daniel Gil al mundo editorial, tras sus exitosas experiencias en otros ámbitos de la creación plástica y del diseño, estuvo animada precisamente por ese viejo espíritu integrador que hoy parece extraviado.
Por una parte, las cuatro mil cubiertas que diseñó para los libros de Alianza desde 1965 hasta 1989 revolucionaron los escaparates españoles en aquellos años de vertiginoso cambio social y cultural; tanto la conservación en bibliotecas públicas y en librerías particulares de los centenares de volúmenes aparecidos en El Libro de Bolsillo, Alianza Universidad y otras colecciones como las muestras antológicas en salas de exposición y las reproducciones de sus cubiertas en revistas especializadas muestran esa parte claramente visible de su talento, testimonio de una obra individual difícilmente superable.
Pero tanto o más importante que su trabajo como portadista fue la labor de Daniel Gil como diseñador de prototipos, como arquitecto gráfico y como innovador en la utilización de materiales de impresión y encuadernación en España; nada escapaba a su interés y a su vigilancia: desde el formato volumen y el tamaño de la caja hasta los tipos y cuerpos del cuerpo principal del texto y de las notas, pasando por el gramaje y la calidad del papel del interior y de la cubierta.
La mejor prueba de la concepción integral que subyace a la obra gráfica de Daniel Gil es el inconfundible aire de familia, los imborrables rasgos de parentesco que ofrecen todos los productos editoriales, sean libros, catálogos, carteles o señala-libros, nacidos de su inventiva creadora durante los cinco lustros en que configuró la imagen de Alianza.
Esa voluntad unitaria del diseño, por lo demás, no se imponía caprichosamente, desde fuera y desde arriba, a los contenidos literarios, ensayísticos o científicos de las obras sino que trataba de crear íntimas relaciones de complicidad entre ambos niveles a fin de potenciar al máximo la difusión de los libros.
No era una tarea fácil ya que el carácter intergenérico e interdisciplinario del catálogo de Alianza, la variedad de colecciones y el elevado número de novedades (cercanas a las doscientas anuales) y reediciones con nueva cubierta obligaba a Daniel Gil a enfrentarse diariamente con títulos de narrativa, poesía, teatro, economía, ciencias sociales, historia, arte, música, matemáticas, lingüística, biología, física, astronomía y química (para no mencionar la gastronomía o el entretenimiento).
Sólo el excepcional talento de Daniel Gil pudo lograr la hazaña de que cada cubierta de Alianza al mismo tiempo individualizara cada libro, delimitase su área temática y remitiese al catálogo común: ese toque especial para construir la unidad a partir de la diversidad y para relacionar las partes y el todo constituye sin lugar a dudas su inimitable secreto. Javier Pradera, licenciado en Derecho, fue director de Alianza Editorial entre 1967 y 1989. En la actualidad, codirige la revista «Claves de la Razón Práctica» y es columnista del periódico El País. Artículo publicado en Experimenta 29 con el título 'El arquitecto gráfico'.
Me llama mucho la atención Wim Crouwel porque es uno de los diseñadores gráficos y tipográficos más importantes de los Países Bajos en el siglo XX. Su estilo es muy interesante ya que utiliza en sus trabajos la rejilla como plano base haciendo que la tipografía y las imágenes tengan un terminado organizado y limpio. Cabe destacar que este personaje siempre está a la vanguardia, desarrollando en todas sus obras un mensaje claro, concreto, legible y no saturado en su información haciéndolos agradables a la vista.
Willem Hendrik (Wim) Crouwel (Groningen, 1928) es un diseñador gráfico y tipógrafo holandés. Entre 1947 y 1949 estudió Bellas Artes en la Academia Minerva en Groningen, Holanda.
Además de eso, estudió tipografía en lo que hoy es la Gerrit Rietveld Academie en Amsterdam.In 1963, fue uno de los fundadores del estudio de diseño Diseño total (actualmente denominada Total de identidad). Desde 1964 en adelante, Crouwel fue responsable del diseño de los carteles, catálogos y exposiciones del Museo Stedelijk de Amsterdam. En 1967 diseñó el tipo de letra del alfabeto nuevo, un diseño que comprende las limitaciones de la tecnología de tubo de rayos catódicos (pantallas y los principios que hicieron uso de ella) y por lo tanto sólo contiene trazos horizontales y verticales. Otros tipos de letra de su mano se Fodor y Gridnik. En 1970 diseñó el pabellón holandés para la Expo '70 (Osaka, Japón). Un diseño de Crouwel que es bien conocido en los Países Bajos es el de los sellos de Número de franqueo para el PTT Holandés (en circulación 1.976-2.002).
Tras esta larga vida dedicada plenamente al trabajo, Crouwel sigue como diseñador, grandes exhibiciones de arte como la “Vereniging Rembrandt exhibition” en el van Gogh Museum en Amsterdam.
En conversaciones con el historiador del arte Kees Broos, él explica en detalle el razonamiento y metodología detrás de este único tipo de letra y cuenta muchas de las historias no comentadas que están detrás de este trabajo. Muchas de las letras de Crouwel han sido entregadas en forma digital, incluyendo el Nuevo Alfabeto en tres maneras, los alfabetos de los “museum” Fodor y Stedelijk, y recientemente, la familia completa Gridnik.
Stefan Sagmeister (nació en 1962 en Vorarlberg, Austria) es diseñador gráfico y director de arte, fundó Sagmeister, Inc. en 1993 en Nueva York. Ha sido nominado cinco veces a los premios Grammy y finalmente ganó uno por el set-box de Talking Heads. En 2001 publicó un libro en donde compila todos sus trabajos llamado Made You Look.
Sagmeister estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena, más tarde recibió una beca para estudiar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a Honk Kong y ha trabajado para la agencia Leo Burnett, Tibor Kalman (fundador junto con Oliviero Toscani de la revista Colors de Benetton), para más tarde formar su propio estudio en el que ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, cargadas de poder retorico y estetico. Desde su estudio se da el lujo de elegir a sus clientes como a David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones y la artista japonesa Mariko Mori. Y hasta de tomarse un año sabático para dar conferencia en el mundo y formar True Majoritie (La verdadera mayoría), que consiste en un grupo de 500 artistas y directores de empresas líderes en Estados Unidos que se opusieron públicamente a la guerra contra Irak. Uno de nuestros objetivos es lograr que en este país se reduzcan los gastos militares en 15% y que ese dinero se invierta en educación. Mientras algunos diseñadores se preocupan por la tipografía, la reducción y abstracción de formas lógicas, Sagmeister es mucho más directo y, a veces, hasta crudo. Un ejemplo es el cartel que diseñó, a principios de los 90, para la conferencia del American Institute of Graphic Arts (AIGA), en el campus de Cranbrook, cerca de Detroit. En esa ocasión, Sagmeister pidió a su ayudante que tallara los detalles de la conferencia sobre su torso con un cuchillo y después fotografió el resultado para convertirlo en un cartel.
Mario Esquenazi Esquenaci Esquinasi Eskinaze Azkenatsi Eskenasi Eskineazy Askenasi Eskenazí Esehenazzi Eskezany Eskenazy Eskenazi (esto aparece en su tarjeta de visita debido a la cantidad de veces que se equivocan con su nombre). Bueno, anécdotas nominales a parte, Mario Eskenazi es uno de esos diseñadores de cabecera. Su trabajo, muy centrado en la identidad gráfica, premiado con el Nacional de Diseño en 2000, es de esos que parece que son fáciles de hacer, de los que salen solos. Y esa es una de las mejores virtudes de un diseñador gráfico, que todo parezca lógico. Imaginad esta entrevista con su peculiar acento argentino y su sentido del humor. Y por cierto, a nosotros nos gusta mucho lo que hace.
Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento. Mario Eskenazi. 11/10/45 Buenos Aires (Argentina)
¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niño? Las mesas del estudio de mi padre (las había diseñado él, era arquitecto), los de los centros de los discos de vinilo (72 rpm): His master’s voice o Capitol. El logo que había en la nevera: Westinghouse. En las revistas había anuncios de coches: los logotipos de Chevrolet, Cadillac, Ford, Buick, Peugeot (en general todos los de coches, especialmente los americanos, que eran los que mas había en Argentina), y MGM, WB, Columbia (los de las productoras de cine, iba mucho).
Si no te hubieras dedicado al diseño gráfico, ¿qué te gustaría haber hecho en tu vida? Cómics. O música.
Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño. Que disfruten del trabajo, y que no lo hagan pensando en lo que van a cobrar! Y a tener en cuenta: nunca se acaba de aprender.
¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste? Un cartel para una manifestación, cuando era estudiante.
¿Y el último? La identidad de Barcelona pel Medi Ambient.
Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera. La identidad de Banc Sabadell, la identidad de BCNeta! y las portadas de Paidós (Asterisco y Pensamiento contemporáneo).
Cita un diseñador con el que te gustaría trabajar. Varios: David Reinfurt, John Morgan, Project Projects… etc.
Una empresa a la que le cambiarías la imagen. Varias: Gobierno de España, Reina Sofía, Renfe…
¿Qué le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho? Hace mucho que aprendí que lo que hago no le puede gustar a todos. ¡Y es preferible!
La última tipografía que has redescubierto y que tenías olvidada. Railroad Gothic.
Un número del pantonero con el que te harías un traje. Pantone Black.
Elige y razona tu elección:
Neville Brody/David Carson
Milton Glaser/Paul Rand Por qué elegir?
Freehand/Ilustrator Depende.
Quark/Indesign Indesign.
Garamond/Helvetica Depende.
Estudio/Agencia Estudio.
Papel/Digital Depende.
Lápiz/Ordenador Los dos.
Mac/PC Mac
Un equipo de fútbol, un político, una ciudad para vivir. Hoy, el Barça. Felipe González. Barcelona.
Un homenaje a un diseñador que todavía no se le ha reconocido. No se me ocurre…
Una marca que detestas y que despierta albanzas en el mundo del diseño. No sé cuáles son las opiniones del mundo del diseño… como marcas hay muchas que no me gustan: Movistar, Banco Santander, por nombrar algunas nacionales.
La película que nunca te cansas de volver a ver. El libro que nunca te cansas de releer. Amarcord, 8 y 1/2, Sed de mal, etc, etc. Cualquiera de Borges.
Si estuviera en tus manos, ¿qué cambiarías del mundo del diseño gráfico? El “hubiera” no existe.
¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña? Historia del Diseño (hace años no se enseñaba, ahora no sé).
¿Eres de los que opinan que tu lo hubieras hecho mejor? Qué cosa?
Échale imaginación y propónle a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño. Siempre pensé que las profesiones se deben mover al margen de los políticos. Los diseñadores debemos mejorar el mundo del diseño.
Tu foto a toda página en la portada de una revista: ¿qué revista y por qué razón? Uuuyyyyy!!!… qué verguenza!
Famous Graphic Designers MICHAEL BIERUT: Bierut nació en Cleveland, Ohio. Estudió diseño gráfico en la Universidad de Cincinnati ‘s College de Diseño, Arquitectura, Arte y Planificación.
Bierut fue vicepresidente de diseño gráfico en Vignelli Associates. Desde 1990 ha sido un socio en la oficina de Nueva York de Pentagram.
Según su biografía en línea Pentagram: Bierut “es responsable de dirigir a un equipo de diseñadores gráficos que crean el diseño de identidad, diseño gráfico ambiental y soluciones de diseño editorial. Ha ganado cientos de premios de diseño y su obra está representada en varias colecciones permanentes, entre ellos: el Museo de Arte Moderno (MoMA) y el Cooper-Hewitt, National Design Museum de Nueva York, la Biblioteca del Congreso en Washington, DC, el San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), el Denver Art Museum, el Museum für Kunst und Gewerbe de Hamburgo, Alemania, y el Museum für Gestaltung, en Zúrich, Suiza.
Bierut sirvió como el presidente nacional del American Institute of Graphic Arts (AIGA), de 1998 a 2001.
Bierut es un crítico de alto nivel en diseño gráfico en la Escuela de Arte de Yale.
Bierut es también el co-editor de tres antologías Mirando más de cerca el diseño gráfico. Él es también un escritor fundador del blog de Observadores de Diseño con Rick Poynor, William Drenttel y Jessica Helfand.
Bierut también es conocido por su participación en la película Helvética – “Beba Coca-Cola, ¡y punto!”
Famous Graphic Designers BRUCE MAU: Bruce Mau estudió en la Universidad de Arte y Diseño de Ontario en Toronto, pero se marchó antes de graduarse para unirse al grupo de diseño “Fifty Fingers” en 1980.
Permaneció ahí durante dos años para después cruzar el océano y permanecer por breve tiempo en Pentagram en el Reino Unido.
Cuando volvió a Toronto un año después, formó parte de la fundación de Buen Diseño Publico y Comunicaciones. Poco después, la oportunidad de diseñar la Zona 12 se presentó y se marchó para establecer su propio estudio, Bruce Mau Design, Inc.
Bruce permaneció como director de diseño de “Zone Books” hasta el 2004, desde aquella primera publicación donde también fue co-redactor de “Sweve Editions” (ediciones de viraje) que fue una impresión de “Zone”. A partir de 1991 hasta 1993, también sirvió como Director Creativo de la revista I.D..
En 1995, Bruce Mau recibió una atención considerable por la premiada y críticamente aclamada, S.M, L, XL. Diseñada y concebida por Bruce Mau y Rem Koolhaas, el compendio de 1300 páginas de proyectos y textos fue generado por Pritzker, premiado por la Oficina de Koolhaas para la Arquitectura Metropolitana.
A partir de 1996 hasta 1999 Bruce Mau era el Profesor de Associate Cullinan de la Escuela Universitaria de Arquitectura de Rice en Houston. También fue un consejero de tesis en la Facultad de Arquitectura, Paisaje y Diseño de Toronto, artista en residencia en el Instituto de las Artes de Califormnia y un erudito de visita en el Instituto de investigación Getty en Los Angeles. Ha impartido una serie de conferencias extensamente por Norteamérica y Europa, actualmente trabaja en International Advisory Committee of the Wexner Center en Columbus, Ohio.
Además, Bruce es un “Honorary Fellow” (algo así como “Muchacho Honorario”) de la Escuela de Arte y Diseño de Ontario y un miembro de la Real Academia Canadiense de Arte.
Le concedieron el Premio Chrysler por Innovacion de Diseño en 1998, y el Premio de Artes de Toronto para la Arquitectura y Diseño en 1999. En 2001, recibió un “Honorary Doctor of letters” del Instituto Emily Carr de Arte + Diseño.
Agregando la práctica de estudio por hacer, Bruce Mau fundó el Instituto sin Fronteras en 2003, un programa a base de estudio posgraduado en la sociedad con Jorge Brown y la Universidad de Toronto.
El IwB, formado de la convicción que el futuro exige un nuevo género de diseñador, se hizo el motor para producir el Massive Change (Cambio Masivo) , un ambicioso, exihibicion sobre las posibilidades de la cultura de diseño. El Cambio Masivo es también un libro, un foro en línea, un modelo de educación así como un Simposio de Visionarios.
La exposición de Massive Change se abrió a aclamación crítica en la Galería de Arte de Vancouver en 2003, y desde entonces ha viajado a la Galería de Arte de Ontario y el Museo de Arte Contemporáneo en Chicago.
El objetivo de Cambio Masivo es comenzar un movimiento global de gente comprometida a apoyar una nueva visión de vida sustentanble en el planeta. Previsto como un Cambio colectivo de proyecto, Cambio Masivo se ha hecho el motor de diseño optimista para la práctica de Diseño de Bruce Mau. Bien respetado para ensanchar la idea de diseño, Bruce ha trabajado con países, como Guatemala y Dinamarca para prever el futuro de su país.
El diseñador gráfico Bruce Mau es mucho más que un diseñador o, a lo mejor, es "sólo" un diseñador, pero uno completo (alguien que conoce que el diseño puede cambiar el mundo y trata de aplicarlo a todos los ámbitos vitales). Desde sus colaboraciones con Rem Koolhaas (con obras maeastras como el libro X.M, L, XL) hasta sus proyectos más recientes (principalmente el libro, exposición, y sitio web Massive Change; pero también la explicación detallada de su método que hace en el libro Life Style) su trabajo no deja indiferente, ni por lo que hace ni por como lo hace.
Garry Peterson, en Resilience Science, propone que las ideas de Mau se inscriben en el escenario "TechnoGarden" del Millenium Ecosystem Assessment ("a globalized approach with an emphasis on green technology and a proactive approach to managing ecosystems") dado que defiende una activitud pro-activa basada en el uso de la tecnología dentro de sistemas de mercado para la sostenibilidad ambiental y la mejora de la calidad de vida.
El proyecto Massive Change constituye toda una declaración de intenciones sobre la aproximación de Bruce Mau al diseño como forma de cambiar la realidad mediante el aprendizaje y la acción ( todo el proyecto gira alrededor de dos bases: "learn" y "act"). Ramón Sangüesa se refirió hace unos meses al proyecto Massive Change (Colapso o Iniciativa Masiva) comparando acertadamente la visión catastrofista del libro de Jared Diamond Collapse con la actitud positiva y pro-activa de Bruce Mau. En este otro post Ramón utiliza el pensamiento de Mau para proponer la centralidad del diseño en nuestra vida y en todo tipo de actividades intelectuales:
... el diseño no sólo se expande más allà de sus feudos tradicionales sino que es central en la solución de problemas en el mundo en que estamos. Un informático diseña un genetista diseña. No sólo diseña un diseñador “de los de siempre”. Este enfoque del diseño como construcción de conocimientos transversal a todos los nuevos campos en un entorno complejo es muy importante y se acerca, aunque en mi opinión supera, la actual visión que se puede encontrar en algunas revistas de negocios respecto a que el futuro de los negocios es "parecerse a los diseñadores".
Garry Peterson sugiere otros recursos de interés para conocer el trabajo de Bruce Mau: esta entrevista reciente en el Urban Journal de Metropolis Mag y el artículo Making a Map of a New World en el número de pasado Junio de Fast Company.
Los escenarios no son predicciones deterministas del futuro, más bien futuros imaginados. No pueden ser predicciones por que el futuro dependerá en parte de nuestras decisiones aún no tomadas y de factores externos no predecibles, pero el objetivo final del análisis de escenarios es permitir el diseño de estrategias que maximicen las posibilidades de alcanzar un determinado futuro deseado. De entre los cuatro propuestos por el Millenium Ecosystem Assessment, aquellos en que el hombre juega un papel proactivo pueden permitirnos mayores niveles de desarrollo, bienestar y sostenibilidad, tanto basadas en actitudes y acciones globales (el escenario TechnoGarden) como regionales (el escenario Adapting Mosaic, en que se propone una gestión de ecosistemas adaptada a las condiciones locales y utilizando una mezcla de instrumentos políticos y económicos e institucionales). Ojalá el futuro sea una combinación TechnoGarden-Adapting Mosaic, pero para ello se encesita gente que como Mau trabajen intensamente en cada uno de ellos. Después vendrán los puentes de conexión.
Famous Graphic Designers JONATHAN BARNBROOK: jonathan barnbrook es de esos diseñadores clásicos contemporáneos que se sitúan dentro de lo que podría denominarse como diseño posmoderno —entendido como el rechazo a los ideales progresistas que defendía el movimiento moderno—; barnbrook apuesta por un diseño interactivo y emocional en el que el usuario tiene que poseer una actitud activa e involucrarse para decodificar el mensaje.
otro de los aspectos por los que es conocido barnbrook es por el diseño de tipografías, distribuidas por su propia fundición virus, ha conseguido que algunas de ellas, como la expletive sean bastante populares. es un diseñador sin muchos prejuicios —hace revisitaciones contemporáneas de tipografías góticas como la bastard ó romanas como la exocet— consiguiendo elevar la calidad del diseño de tipografías para titulares, siendo internet un campo abonado donde circula mucha morralla.
barnbrook además de trabajar para el mundo del arte —son frecuentes las colaboraciones con damien hirst, la más sonada fue la realización de la primera monografía del artista i want to spend the rest of my life everywhere, with everyone, one to one, always, forever, now ó con la influyente galería white cube. entre los trabajos realizados para la galería londinense se encuentra el catálogo de la exposición you dig the tunnel, i’ll hide the soil comisariada por harland miller e irene bradbury, en el que colaboraron artistas como cindy sherman, los hermanos chapman o tracey emin conmemorando el bicentenario del aniversario del nacimiento de edgar allan poe— se considera así mismo un diseñador social, por lo que es frecuente ver trabajos no comerciales en revistas críticas como adbuster o la puesta en marcha del reciente proyecto remember tibet, junto a pedro inoue en el que alentan a enviar piezas artísticas en contra de la opresión del gobierno chino sobre el pueblo tibetano.
Famous Graphic Designers RAYMOND LOEWY: Raymond Loewy (5 de noviembre de 1893 - 14 de julio de 1986) fue uno de los diseñadores industriales más conocidos del siglo XX. Nació en Francia, pero desarrolló casi toda su carrera profesional en los Estados Unidos, donde tuvo una influencia muy importante en incontables aspectos de la vida estadounidense. Adquirió la nacionalidad estadounidense en 1938. Contrajo matrimonio con Jean Thomson en 1931; dicho matrimonio duró hasta 1945. Su segundo matrimonio fue con Viola Erickson en 1948.
Su carrera profesional abarcó siete décadas, entre sus contribuciones a los iconos de la vida moderna se encuentran el logotipo de la empresa petrolífera Shell, los autobuses Greyhound, la locomotora S-1, el paquete de cigarrillos de la marca Lucky Strike, los frigoríficos Coldspot o el Studebaker Avanti.
Loewy nació y creció en París, Francia. Su primer logro fue el exitoso diseño de un avión de juguete, con el que ganó la Copa James Gordon Bennett en 1908; al año siguiente, vendió los derechos del avión, llamado Ayrel. Sirvió al ejército francés durante la Primera Guerra Mundial. Emigró a los Estados Unidos en 1919.
En los primeros años de Loewy en los EE.UU., vivió en Nueva York sus primeros trabajos fueron como diseñador de escaparates de grandes almacenes, entre los que se encontraban Macy's, Wanamaker's y Saks Fifth Avenue, también trabajó como ilustrador de modas para la revista Vogue y Harper's Bazaar. En 1929, recibió su primer encargo de diseño industrial de la empresa Gestetner, para modernizar la apariencia de una modelo de multicopista, que poseía un diseño arcaico, que mostraba todos sus elementos constructivos, además de otras características bastante poco estéticas, Loewy ocultó mediante una simple carcasa de madera todos sus elementos internos siguiendo unos cánones estilistas, y mejoró todo aquello que según él dañaba la vista como por ejemplo las patas, a partir de este rediseño esta multicopista aumentó sus ventas sensiblemente. Posteriormente siguieron más encargos, incluyendo trabajos para Westinghouse, para la Hupp Motor Company (la estilización del modelo Hupmobile), y el rediseño del refrigeradorColdspot para Sears-Roebuck, siendo este producto el que asentó su reputación como diseñador. Su empresa de diseño abrió una sucursal en Londres a mediados de 1930.
Pero unos de los diseños más importantes de Loewy fue el del paquete de la marca de cigarrillos "Lucky Strike", Todo comenzó en 1940 cuando Loewy dijo que él haría que la marca duplicara sus ventas con un simple rediseño del paquete, ante esta argumentación, el dueño de "Lucky strike", invitó al diseñador a realizar el rediseño, es cuando Loewy pone el logo de la marca en las dos partes del paquete de manera que se deje con forme el paquete se viera la marca, además de otras remodelaciones como quitar el verde que se apoderaba de todo el paquete.
En 1937, Loewy entabló relación con la Pennsylvania Railroad, para quien sus más notables trabajos fueron el estilizado aerodinámico de las locomotoras de pasajeros. Diseñó una carrocería aerodinámica para K4s Pacific #3768 para transportar la recientemente diseñada )también por Loewy) 1938Broadway Limited. A este diseño le siguió el estilizado experimental de la locomotora S1, y la clase T1. Luego, por pedido de la PRR, rediseñó la locomotora diéselBaldwin's, dándole un frente distintivo como de "nariz de tiburón" con reminicencia a la T1.
A pesar de no diseñar la forma de la famosa locomotora eléctricaGG1, Loewy mejoró su aspecto recomendando soldaduras y pulidos, en lugar de piezas remachadas, y una pintura con rayas para resaltar sus suaves y redondeadas formas.
Al mismo tiempo que llevaba a cabo estos glamorosos diseños, su estudio realizó toda clase de proyectos para la PRR, incluyendo diseños de vagones de pasajeros, estaciones, material impreso, y mucho más.
Loewy comenzó su larga y productiva relación con la compañía automovilística estadounidense Studebaker Corporation de South Bend, Indiana, en la década de 1930. Sus diseños comenzaron apareciendo en los modelos de Studebaker de finales de la década de 1930. Studebaker también adoptó su nuevo y sencillo logotipo, reemplazando el que había usado desde principios de siglo.
